Cette conférence explore comment Géricault transforme un naufrage réel — treize jours de dérive, de faim, de violence et d’espoir ténu — en une image monumentale de la condition humaine. On analyse la construction de la diagonale, le contraste entre les corps morts et les survivants, la tension entre documentaire et allégorie, et la manière dont le peintre fabrique une scène qui est à la fois un scandale politique et un manifeste pictural.

Comment une œuvre peut devenir le miroir d’un pays, d’une époque, et d’une humanité en lutte pour sa survie.

Au cœur de l’été 1830, Delacroix saisit le moment où l’histoire se soulève...

Cette conférence propose une lecture précise du tableau : comment la composition, les couleurs, les corps et la figure allégorique de la Liberté construisent un récit politique. On y explore la manière dont Delacroix transforme un événement contemporain en image mythique, comment il articule le réel et l’idéal, et comment cette toile devient l’une des représentations les plus puissantes de l’énergie révolutionnaire. Quand la peinture fait basculer un fait historique dans l’imaginaire collectif.

Née à l’époque d’Edo, l’estampe japonaise — l’ukiyo‑e — est un art populaire fondé sur la gravure sur bois, où dessinateur, graveur et imprimeur conjuguent leurs gestes pour produire des images aux aplats nets et aux compositions très construites.

Dans La Grande Vague de Kanagawa, Hokusai pousse cet art à son sommet : une vague monumentale, des embarcations fragiles, le mont Fuji en arrière‑plan, et l’usage novateur du bleu de Prusse.

Comment cette scène locale — la mer, le travail, le quotidien — devient une icône universelle, symbole de puissance naturelle, de mouvement et de modernité.

Dans L’Angélus, Millet saisit un moment de pause au cœur du travail paysan : deux silhouettes immobiles, un champ, une lumière basse.

L’œuvre s’inscrit dans le réalisme du XIXᵉ siècle, qui cherche à représenter la dignité du quotidien plutôt qu’un sujet héroïque. La conférence analyse la construction de la scène, la relation entre les deux figures, le rôle de la lumière, et la manière dont Millet transforme un geste simple en image méditative.

Avec Le Marché aux chevaux, Rosa Bonheur transforme une scène ordinaire du marché parisien en une composition monumentale où le mouvement, la puissance animale et la précision anatomique deviennent les véritables sujets.

L’œuvre s’inscrit dans le réalisme du XIXᵉ siècle, mais en déplace les frontières : Rosa Bonheur observe, dessine, étudie, et fait de la vie animale un motif noble.

Comment une artiste fait du réel un spectacle, et comment ce tableau devient l’une des images les plus fortes de la modernité naturaliste.

Avec Le Bain turc, Ingres compose une scène circulaire où les corps féminins deviennent un véritable laboratoire de formes.

L’œuvre, présentée comme un intérieur oriental, relève en réalité d’un imaginaire construit en atelier : poses recomposées, citations d’œuvres antérieures, idéalisation anatomique.

La conférence analyse la structure en rotation, le rôle du clair-obscur, la tension entre sensualité et artifice, et la manière dont Ingres utilise l’Orient comme décor pour explorer son obsession de la ligne.

Comment une image réputée exotique est en fait une réflexion sur le regard, la beauté fabriquée et la puissance du dessin.

Avec Le Déjeuner sur l’herbe, Manet fait entrer la modernité dans la peinture : une scène en plein air, deux hommes habillés, une femme nue qui regarde le spectateur, et un espace volontairement dissonant.

L’œuvre rompt avec les codes académiques en mêlant références classiques et réalisme frontal.

La conférence analyse la construction de la scène, le rôle du regard, les citations picturales, et la manière dont Manet transforme un motif simple en manifeste visuel.

Comment une image apparemment anodine devient un tournant dans l’histoire de l’art, en redéfinissant ce que peut être un sujet.

Dans cette toile, Berthe Morisot saisit un moment intime : Eugène Manet et leur fille Julie dans le jardin de Bougival, un espace domestique devenu lieu de peinture.

L’œuvre appartient au regard impressionniste du peintre, où la lumière, les touches rapides et la vibration de l’air priment sur la description.

La conférence analyse la relation entre les figures, la construction de l’espace végétal, la manière dont Morisot capte l’éphémère, et la place de cette scène dans son exploration de la vie familiale.

Comment une peinture du quotidien devient une méditation sur la présence, la tendresse et la perception.

Peinte en 1890, L’Église d’Auvers-sur-Oise montre un bâtiment familier transformé par le regard de Van Gogh : lignes instables, couleurs vibrantes, ombres qui semblent avancer.

L’œuvre appartient à sa dernière période, où le paysage devient un espace intérieur, traversé par l’inquiétude et la lumière.

La conférence analyse la déformation volontaire des volumes, le rôle du ciel, la tension entre le chemin clair et l’édifice sombre, et la manière dont Van Gogh fait d’un motif local une image chargée d’émotion.

Comment une église de village devient un paysage mental, un lieu où se lisent la fragilité, la perception et l’intensité de la fin de vie de l’artiste.

Symbole discret du paysage francilien, la maison meulière incarne l'essor d'une architecture domestique née à la charnière du XIXe et du XXe siècle, portée par l'expansion des villes et l'aspiration à la villégiature d'une bourgeoisie en quête d'ancrage.

Cette conférence propose de redécouvrir ces pavillons souvent traversés sans être regardés : leur matériau caractéristique tiré du sous-sol régional, leur vocabulaire décoratif emprunté au registre pittoresque — bow-windows, épis de faîtage, céramiques polychromes — et les logiques sociales qui ont présidé à leur diffusion.

Construite entre 1928 et 1931 pour la famille Savoye, la Villa Savoye est le manifeste du mouvement moderne : pilotis, plan libre, façade libre, fenêtres en bandeau, toit‑terrasse. Le Corbusier y expérimente une architecture pensée pour la lumière, l’air, la circulation, et pour un mode de vie nouveau.

La conférence analyse le programme des Savoye, la construction en béton armé, les désordres techniques, la visite intérieure comme parcours, et l’histoire du bâtiment — abandon, réquisitions, menace de démolition, sauvetage, restauration, classement UNESCO.

Comment une maison de week‑end devient une œuvre‑monde, un laboratoire d’idées et l’une des images les plus fortes de l’architecture du XXᵉ siècle.

Avec Le Baiser, Rodin transforme un motif intime en une sculpture où la matière semble vivante : deux figures nues, un geste suspendu, un marbre qui capte la lumière comme une peau. L’œuvre, conçue à l’origine pour La Porte de l’Enfer, devient autonome par la force de sa présence.

La conférence analyse la construction des volumes, le rôle du poli, la tension entre immobilité et mouvement, et la manière dont Rodin fait du marbre un espace de respiration.

Comment une scène d’amour devient une étude sur la forme, la sensualité et la puissance expressive de la sculpture moderne.

Avec La Vague, Camille Claudel compose une scène où trois jeunes femmes, réunies dans un geste léger, semblent sur le point d’être enveloppées par une masse d’eau sculptée en onyx vert. L’œuvre associe deux matériaux — le bronze pour les corps, l’onyx pour la vague — créant un contraste de texture et de lumière.

La conférence analyse la dynamique du groupe, la manière dont Claudel transforme l’eau en forme sculpturale, le rôle du socle, et la tension entre grâce et menace.

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Un sculpteur d’une intensité rare, dont l’œuvre explore la fragilité, le mouvement et la vie intérieure avec une liberté que son époque lui a souvent refusée. 

Au XIXe siècle, la céramique architecturale connaît une transformation profonde : industrialisation, nouveaux fours, nouvelles pâtes, standardisation des formats - manufactures et fabricants développent des matériaux résistants, adaptés aux façades, aux décors urbains, aux grands équipements.

​Architecte, céramiste et spécialiste des techniques ottomanes, Léon Parvillée est l’un des artisans majeurs de la polychromie architecturale. Après des années passées à Constantinople, il étudie et réinterprète les faïences d’Iznik, dont il maîtrise les couleurs métalliques, les rouges profonds, les bleus et les verts. Son travail se distingue par une volonté de réintroduire la couleur dans l’architecture, en dialogue avec les théories de la polychromie défendues par Paul Sédille et Charles Garnier.

Alors que la photographie se développe et devient un outil de reproduction fidèle, Nadar en fait un art à part entière : lumière douce, fond neutre, cadrage serré, sobriété totale. Il cherche ce qu’il appelle la “ressemblance morale”, cette présence intérieure qu’il capte chez Baudelaire, Hugo, Sand ou Bernhardt.

Grâce à son travail de caricaturiste, Nadar a appris à observer les visages, à saisir un trait, une tension, une attitude. Cette expérience nourrit ses portraits photographiques, qui ne sont jamais des images passives mais bien des figures vivantes, immortelles.